Скончался Иссей Мияке, Величайший гуманист в области Моды

“Почему Иссея Мияке так часто выделяют как модельера, чья работа так или иначе выходит за рамки моды?” Этот вопрос был задан New York Times в декабре 1998 года. И сам Мияке был бы первым, кто воспротивился бы такому возвышенному предложению. Он отвергал любые предположения о том, что то, чем он занимался, было искусством, хотя зачастую это было настолько захватывающе трансцендентным, что трудно было представить это в каких-либо других терминах.

Вместо этого в интервью и на многочисленных книгах и выставках, посвященных его творчеству, Мияке настаивал на том, что он “создает вещи”.

С того момента, как в 1970 году он основал дизайн-студию Miyake Design Studio, все началось для него с “Куска ткани” (A-POC гораздо позже станет лейблом, под которым он создал одно из своих самых футуристичных ответвлений). Руководствуясь таким скромным представлением, Мияке, скончавшийся на прошлой неделе в Токио в возрасте 84 лет, зарекомендовал себя как величайший гуманист в области моды.

Его одежда была многогранным праздником жизни: движения, энергии, опыта и заразительной радости, что было редкостью в моде. И это относилось как к мужчине Мияке, так и к Мияке-дизайнеру. Не так уж трудно представить, что его любовь к жизни проистекала из невообразимо травмирующего детского опыта. Мияке, родившемуся в Хиросиме, было семь лет, когда он и его сестра наблюдали с холмов над городом, как он был разрушен атомной бомбой 6 августа 1945 года. Его мать получила сильные ожоги и умерла четыре года спустя. Этот ужасный момент, в буквальном смысле соединивший прошлое, настоящее и будущее, породил новый неопределенный мир и новое глобальное сознание. В Мияке это стало серьезным эмоциональным вкладом в восстановление Японии. Он выбрал моду в качестве своего средства передвижения, потому что, как он однажды сказал мне, “Одежда - это не абстракция, как архитектура или графический дизайн, это публичное отражение радостей и надежд людей. ” Мода также стала для Мияке своего рода личным освобождением. “Я не шел ни по чьим стопам, поэтому был свободен”, - сказал он в том же разговоре.

Мияке стал активным гражданином нового мира. После окончания в 1964 году Токийского университета искусств Тама он переехал в Париж, чтобы учиться в Парижской школе синдиката модной палаты, которая подготовила его к работе сначала у Ги Лароша, а затем, в 1968 году, у гранд-кутюрье Юбера де Живанши.

Но протесты в Париже в мае 68-го ускорили социальные перемены. И именно синие джинсы, а не платья от кутюр, и Нью-Йорк, а не Париж, захватили воображение Мияке. Поэтому он снова переехал. Он провел шесть месяцев, работая у Джеффри Бина на Седьмой авеню, прежде чем в 1970 году вернуться в Токио, с головой погруженный в радикальные идеи, полный решимости найти в японской модной культуре что-то, что демонстрировало бы разрыв с традициями официальной одежды так же явно, как джинсы в западном мире.

Он нашел это в sashiko, технике квилтинга из хлопка, которая веками использовалась при пошиве рабочей одежды. Она сразу же стала визитной карточкой бренда. Мияке также разрабатывал костюмы-боди, возможно, вдохновленный идеями выдающегося американского модерниста Руди Гернрайха. “Я не уверен, что он был таким”, - позже напишет Мияке в некрологе Руди. “Я могу только сказать, что он был дизайнером, который всегда думал о новых способах выражения идей о человеческом теле с помощью одежды. ”Любопытно, что оба дизайнера изначально хотели стать танцорами. В своей работе они разделяли страсть к телам в движении.

Мияке нашел идеальную ткань, трикотаж из полиэстера, которая идеально подходила для всех размеров и возрастов. Таким образом, за один этот 1970 год его дизайн-студии удалось объединить прошлое и будущее, создав новый язык моды. Хотя дизайн Мияке по-прежнему основывался на текучести, объеме и облегающей одежде коренных японцев, ему никогда не нравился ярлык “японский дизайнер». Начиная с 1973 года, он представлял свои коллекции в Париже, а иногда и в Нью-Йорке. Среди единомышленников поколения, жившего после Хиросимы, с которым он работал, были графический дизайнер Таданори Йокоо, в чьем стиле в равной степени сочетались Хокусай и Хейт Эшбери, архитектор Тадао Андо, дизайнер магазина Сиро Курамата и арт-директор Эйко Исиока. ”Иссей Мияке и двенадцать чернокожих девушек», совместная работа Эйко и Иссея, созданная в 1976 году в торговом центре Shibuya Parco, стала блестящим воплощением японского конформизма. (Грейс Джонс, которая участвовала в показе как модель, впоследствии создала один из самых запоминающихся образов Мияке в своем модном костюме из литого пластика, который он создал для сезона осень-зима 1980 года.) “Дизайн - это командная работа”, - говорил он, и его природная щедрость привела не только к созданию модных очков Eiko, но и к созданию революционных духов и упаковки L’Eau d’Issey (разработанных совместно с Фабьеном Бароном в 1992 году), особенно плодотворному сотрудничеству с фотографом Ирвингом Пенном и длительным отношениям с франкфуртской галереей. Балет под руководством хореографа Уильяма Форсайта, начиная с “Утраты мелких деталей” в 1991 году.

Именно во время работы над этой постановкой Мияке начал в полной мере изучать то, как складки движутся и меняются вместе с телами танцоров, “как в калейдоскопе”, - сказал он. Результатом этих экспериментов стал один из его величайших триумфов - коллекция “Pleats, Please”, выпущенная в 1993 году.

Двадцать лет спустя Мияке наконец-то приступил к выпуску мужского аналога Homme Plisse, который стал еще одним успехом его бренда. Но к тому времени Мияке уже не занимался дизайном одежды, носящей его имя. Вместо этого он посвятил последние десятилетия исследованиям, постоянно занимаясь поиском новых техник, которые с большим успехом применялись в коллекциях, разработанных рядом талантливых сотрудников. И обычно они преподносятся с тем сочетанием радости и потрясающего вкуса, которое присуще винтажному Мияке.

Его собственное сочетание традиций, начатое еще в sashiko, и технологий создало мощное наследие, которое сегодня находит отражение в работах таких молодых дизайнеров, как Крейг Грин, Джонатан Андерсон и Сэмюэл Росс, а также Наоки Такизава, Дай Фудзивара и других выпускников дизайн—студии Miyake. И ответ на этот вопрос, заданный «Нью-Йорк таймс» в 1998 году, был дан целой серией выставок по всему миру.

Мияке настаивал на том, чтобы “создавать вещи”, но в дальнейшем он определял эти вещи как “одежду для жизни». ” Посмотрите, как они представлены на показах, и их цвет, яркость и форма напомнят вам о том, что нет ничего более достойного празднования, чем жизнь, которая действительно стоит “выше” моды.